Wystawy

Bio: Piotr Kachny urodził się w 1978 roku w Kluczborku (województwo opolskie). Ukończył studia na UAM w Poznaniu (Wydział Pedagogiczno-Artystyczny w Kaliszu) na kierunku EASP (dyplom z malarstwa) oraz National College of Art and Design (Dublin).
Maluje intensywnie od dwudziestego roku życia. Ponadto zajmuje się fotografią artystyczną oraz fotomontażem. Zarówno w malarstwie jak i fotografii interesuje go postać ludzka. Używa wizerunków często znanych mu osób jako pretekstu do zbudowania obrazu. Sama twarz może być dla niego np. budynkiem architektonicznym. Jednakże najistotniejsze jest to, co bardzo często niewidoczne na pierwszy rzut oka: emocje, uczucia, stan ducha, charakter... Ponadto ukazuje to, co w człowieku zmysłowe, a z czym stracił kontakt na skutek oddziaływania kultury, związanych z nią konwenansów, w tym również edukacji (wychowania). W jego malarstwie inspiracją są też różnego rodzaju postawy czy wzorce zachowań społecznych.

Wystawa „Demontaż“ to premierowa prezentacja najnowszego cyklu fotograficznego Bownika pod tym samym tytułem. Bownik fotografuje rośliny. Nie byłoby w tym nic nadzwyczajnego, gdyby nie fakt, że obiekt fotografowany zostaje wcześniej zdekonstruowany (łodygi oddzielone od liści, płatki od szypułki itp.) tylko po to, by zostać ponownie złożonym. Stąd biorą się widoczne w bliskim obcowaniu z obrazem – notatki na częściach składowych roślin: cyfry, długości a wreszcie „narzędzia“ (pinezki, nitki, klej) przy pomocy, których roślina utrzymuje swoją pierwotną formę sprzed dekonstrukcji.

Od 25 listopada 2012 w Galerii Miejskiej bwa w Bydgoszczy czynna będzie wystawa „David Lynch – Litografie”. Organizatorami wystawy jest Festiwal Plus Camerimage oraz Galeria Miejska bwa w Bydgoszczy. Wystawa zrealizowana została dzięki uprzejmości studia „Item Éditions” w Paryżu. Na wystawie w Galerii Miejskiej bwa w Bydgoszczy zobaczyć można kilkadziesiąt prac litograficznych Davida Lyncha - światowej sławy reżysera („Miasteczko Twin Peaks”, „Dzikość serca”, „Prosta historia”). David Lynch swoją artystyczną przygodę zaczynał od malarstwa, zajmuje się również litografią, stworzył już ponad 160 prac w tej technice w paryskiej drukarni Idem Publishers. To nie jedyne dziedziny sztuki jakimi się zajmuje. David Lynch maluje, fotografuje i tworzy muzykę. W ramach ekspozycji zaprezentowane zostaną również dwa krótkometrażowe animowane filmy Lyncha: „Six Figures Gettin Sick” (1966) oraz „The Alphabet” (1968).

Wystawa „Dialog Mistrzów. Callot – Goya – Tiepolo” prezentuje graficzne arcydzieła trzech wielkich artystów, którzy w czarno-białym świecie akwaforty wznieśli się na najwyższe szczyty. Każdy z nich tworzył w innej epoce i każdy odniósł wielki sukces. Byli tak różni, a jednak w swym bezkompromisowym poszukiwaniu prawdy niezwykle podobni. To właśnie grafika dała im możliwość szczerej i bezpośredniej wypowiedzi, niezależnej od oczekiwań i wpływów zleceniodawców. Ich wizja człowieka – słabego, targanego namiętnościami i ograniczonego zmysłami, poddanego niezmiennym regułom, które od wieków rządzą światem – pozostała aktualna i przemawia pełnym głosem także do dzisiejszego odbiorcy.

Wystawa prezentuje malarstwo i szkło artystyczne tworzone przez współczesnych artystów łotewskich. Ekspozycja przygotowywana we współpracy z Agija Sūna Art Gallery - najstarszą prywatną galerią sztuki współczesnej w Rydze, powstałą w 1992 roku, tuż po uzyskaniu przez Łotwę niepodległości (1991). Od tego czasu sztuka łotewska rozwija się podobnie jak w innych krajach demokratycznych, a jej język artystyczny stał się otwarty na nowe eksperymenty i formy ekspresji. Mimo wejścia w światowy obieg kultury, współczesna sztuka łotewska nadal mocno związana jest z tradycyjnymi wartościami rodzimej sztuki ludowej i folkloru.

Jerzy Mierzejewski żyjący w latach 1917 – 2012 to wybitny polski malarz, rysownik, twórca filmów artystycznych i dokumentalnych – wykładowca słynnej Łódzkiej Szkoły Filmowej. Przez ponad pół wieku wywierał ważny wpływ na polskie życie artystyczne. Kilka miesięcy po śmierci artysty Bochenska Gallery przygotowuje szeroki wybór jego, często niepokazywanych dotąd prac, która trwać będzie od 28 listopada 2012 do końca stycznia 2013.

„11 marca 2011 roku, godzina 14:46. Natura dokonała samozniszczenia z przytłaczającą energią. Nigdy wcześniej nie oglądaliśmy podobnego widoku — krajobrazu, w którym i życie, i śmierć doświadczane były w tym samym momencie. Była to chwila, kiedy zrozumieliśmy, jak irracjonalne może być życie. Natura stworzyła nową naturę. I nie był to kaprys Boga, ani też przerażające piekło — był to raczej widok podniosły, wypełniony spokojną ciszą. Mogłem tylko przypatrywać się temu z pokorą, przejęty grozą wobec potęgi natury.”

Wystawa prezentująca twórczość jednego z najwybitniejszych artystów polskiego plakatu i grafiki wydawniczej.

World Press Photo jest niezależną organizacją utworzoną w Holandii w 1955 roku w celu wspierania i popularyzowania na skalę światową prac profesjonalnych fotografów prasowych. Z myślą o realizacji swych założeń, „World Press Photo” organizuje dorocznie największy na świecie i najbardziej prestiżowy konkurs fotografii prasowej. Nagrodzone prace, zebrane w formie objazdowej wystawy, są przejmującą fotograficzną dokumentacją naszego świata.

Po sukcesie prezentacji prac zwycięzcy Grand Prix Fotofestiwalu 2012 Tomasza Lazara, nowego ideału piękna zawartego w cyklu Phillipa Toledano oraz podróży w poszukiwaniu pozostałości rdzennej kultury terenów Białorusi w wykonaniu Andreia Liankevicha, Galeria Fotografii Punctum w Łodzi ma zaszczyt zaprosić na fotograficzny debiut Filipa Zawady - byłego członka zespołów Pustki czy Indigo Tree.

Praktyka artystyczna nauczyciela sztuki jest niezbywalną częścią jego praktyki przekazywania, wymiany i produkcji wiedzy. W długiej tradycji wywodzącej się od Akademii Platońskiej zostały utrwalone „klasyczne” metody edukacyjne zamknięte w formułach akademickich. Przeciwstawna do niej Sokratejska otwarta i interaktywna postawa jest pierwowzorem transdyscyplinarnej metody naukowej i artystycznej – performatywnej i społecznie zaangażowanej. Duchampowska rewolta wzbogaca ją o aspekt samodefiniowania aktu artystycznego. Jego radykalne przenicowanie, które tym bardziej zbliża się do postawy komplementarnej, obejmującej wiele zróżnicowanych i bogatych elementów będących w dynamicznej /często antagonistycznej/ relacji wyjściowej, im bardziej jest zdolne do tworzenia kreatywnej płaszczyzny zdarzeń. Intermedialność jest bliską siostrą wszelkich praktyk poszukiwawczych i eksperymentatorskich na przestrzeni stuleci historii sztuki.

Patrizia Calovini to artystka od dawna wierna osobiście wypracowanej koncepcji malarstwa, zakładającej odzwierciedlenie silnie emocjonalnego postrzegania. Odzwierciedlenie to ma swoje źródło w wydarzeniach – przeżytych lub wyobrażonych – które wywołują impresje i rodzaj entuzjazmu możliwy do uzewnętrznienia z odpowiednią siłą jedynie za pomocą pędzla. Kiedy odzwierciedlenie przybiera ostateczną formę, wydaje się, że oddziela się ono od intymnej myśli i za pomocą płócien i farb ukazuje się w świecie rzeczywistym. Dlatego też jest oczywiste, że jeden obraz „nie pomieściłby” tak złożonego tworu wyobraźni artystki – tworu, który ma swoje źródło i krystalizuje się w pojawiającej się materii.

Wystawa jest próbą przedstawienia historii galerii, która przez 18 lat działalności była niekomercyjną przestrzenią prezentacji sztuki artystów z całego świata. Wystawy i dyskusje inicjowane w galerii, analityczny i krytyczny dyskurs rozwijany zarówno na gruncie teorii, jak i praktyki artystycznej sytuują ją pośród najbardziej znaczących punktów na mapie ówczesnej światowej geografii artystycznej. Funkcjonująca wbrew geopolitycznym podziałom Galeria Akumulatory 2 była miejscem, w którym publiczność miała kontakt ze sztuką twórców ze Wschodu i Zachodu, artystów z Europy Wschodniej i Zachodniej, Stanów Zjednoczonych i Kanady, Ameryki Południowej i Azji.

Dla Magdaleny Karpińskiej przeszłość jest dziś, tylko dalej. Poetyka, którą się posługuje, estetyka pożółkłych fotografii, starych obrazów i ręcznie pisanych pamiętników nie należy więc do jakiegoś „coś, gdzieś”, lecz jest na wskroś współczesna. Stąd w jej obrazach liczne odwołania do motywów znanych jedynie jej rodzinie, tkwiących w osobistej historii jej bliskich, obecnych na zdjęciach w prywatnych albumach. Stąd też tytuły wystaw będące cytatami z pamiętników lub publikacji jej przodków.

Wystawa Amen Maurizio Cattelana w Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie to pierwszy w Polsce indywidualny projekt jednego z najbardziej znanych i najbardziej cenionych artystów współczesnych na świecie. Jego ubiegłoroczna retrospektywa prac w nowojorskim Muzeum Guggenheima należała do „najgorętszych” wydarzeń artystycznych sezonu.

Twórczość Teresy Murak zwraca się w stronę „szczelin”, tego co wyparte, zmarginalizowane lub przeoczone w tkance miejskiej, zarówno w sensie urbanistycznym jak i społecznym. Jednocześnie, specyficzna obrzędowość jej działań pozwala na zaakcentowanie najważniejszego pierwiastka sztuki Murak: pełni ona funkcję daru. Praktyka artystyczna oparta na dzieleniu się, łasce i hojności jest etycznym manifestem, próbą zawarcia nowego „przymierza” z publicznością – wspólnotą zbudowaną wokół rytuałów sztuki, przesyconych religijnymi referencjami. Sztuka Teresy Murak nie poddaje się łatwemu szufladkowaniu, stanowiąc osobną wykładnię sztuki miejsca/ziemi.

Zapraszamy na otwarcie wystawy chińskiej artystki Cao Fei "Shadow life”, a zarazem inaugurację projektu VIDEO ROOM – nowego, cyklicznego przedsięwzięcia CSW, prezentującego publiczności prace wideo najciekawszych artystów z całego świata. W ramach projektu w najbliższych miesiącach zobaczymy również niepokazywane dotąd w Polsce prace wideo Nathalie Djurberg i Christiana Jankowskiego, a także najważniejszych polskich artystów.

Wydarzenie i ślad po nim – zapis procesu przemiany. Wspólny motyw: ceramika, pokazana jako gliniaste podłoże, po którym się stąpa, jako ślady naczyń na obrusach, jako kafle podłogowe, na których odbijają się ślady skakanki, jako stos potłuczonych naczyń.

Wystawa „outside in inside out” dokumentująca działania pierwszej edycji Silesia Art Biennale ilustruje etapy prac, procesy badawcze oraz finał wszystkich realizacji i zdarzeń jakie miały miejsce we wrześniu 2012 roku, w trakcie prawie dwutygodniowych działań w czterech miastach na Dolnym Śląsku: Bystrzycy Kłodzkiej, Jeleniej Góry, Legnicy i Wałbrzycha. Na wystawie zaprezentujemy dokumentację zdjęciową / reportaż oraz elementy wybranych dzieł: instalacje dźwiękowe, filmy, obiekty.

Wystawa "Making it POP!" jest zamknięciem pewnego etapu w twórczości Baśki Wesołowskiej. Okresu, kiedy jej prace są ściśle związane z fascynacją kulturą popularną. Czerpiąc z jej dorobku, artystka przetwarza współczesne emblematy kultury oraz łączy je fotografią i klasycznymi dziełami sztuki. Tworzy w ten sposób malarskie kolaże. Forma ta najpełniej pozwala opowiadać jej o tym, co interesuje artystkę najbardziej - o pamięci, przemijaniu. Zarówno prace malarskie jak i wykonane obiekty stanowią próbę opowiedzenia zapomnianych historii, przywrócenia ich do ludzkiej świadomości przez użycie języka współczesnej kultury.